Arte conceptual (viviana tuberquia) 11.1
I.E. LA INDEPENDENCIA
DOCENTE: SANDRA MILENA FONSECA
NOMBRE: VIVIANA TUBERQUIA
GRUPO: 11.1
Arte conceptual
¿Qué es un arte conceptual?
R// básicamente es encontrar un
objeto, obra, etc. Pero no interesarse tanto por la estética, técnica o
material, la idea es buscar un arte improvisado por así decirlo, buscar el arte
en cosas ya echas y sacarle otro significado para entenderlo de otro modo, para
muchas personas el arte puede ser una pintura, algo que hiciste para ayudar,
algo que nadie ha inventado, para otros una rueda es arte ¿y porque? Porque
simplemente le encontraron otro sentido a este arte ya no lo ven como una
simple rueda, ahora puede ser una obra donde puedes ponerles múltiples
funcionamientos.
Obras más reconocidas de estos
artistas
Marcel Duchamp: La Desnuda Descripción
Bajando una Escalera (1912)
Inicialmente tuvo una respuesta
desfavorable en el Salón de los Independientes, Francia, dominado por la
vanguardia cubista que se opuso a lo que consideraban como sus inclinaciones
futuristas, pero gozó de mucho éxito en 1913, en el show de la armonía,
en Nueva York. Más que un estudio del movimiento del cuerpo a través del
espacio, el trabajo es un ejercicio figurativo, con principios de la pintura
cinematográfica, como secuencias de fotografías que anticipan imágenes en
movimiento. Este cuadro junto con el contemporáneo paso de Virgen a novia marca
el final de carrera de breve duración de Duchamp como pintor.
La Novia Desnudada por sus Solteros, o el Gran Vidrio (1915-1923)
Fue inspirado en parte por el arte de Raymond Roussel de
homófonos, palabras que suenan igual pero tienen significados diferentes.
Duchamp recurre con frecuencia a juegos de palabras y dobles sentidos en su
trabajo. Con el gran vidrio, él intentó hacer una obra de arte que pueda ser
experimentada y “leída” como un texto. Después de asistir a un espectáculo de
las impresiones de África, de Roussel, Duchamp concibe un conjunto escultórico
como una etapa. Estudios preliminares para esta etapa, que habría sido más de
nueve pies de altura, incluyen representaciones de una “novia” abstraída
atacada por una máquina como figura en movimiento caótico. Los aparatos
construidos destacados entre los dos cristales también probablemente fueron
inspirados por el estudio de Duchamp del matemático Henri Poincare y sus
teoremas de la física.
La Fuente (1917): La más
notoria obra de lo readymade, se presentó a la sociedad de artistas
independientes de 1917 bajo el seudónimo R. Mutt. Después de que el trabajo
había sido rechazado por la sociedad porque fue considerado inmoral, los
críticos se disputan esta demanda, argumentando que el objeto fue invertido con
un nuevo significado cuando se selecciona por el artista para la exhibición.
Prueba los límites de lo que constituye una obra de arte. Lo que comenzó como
una broma diseñada para promover la diversión en el arte de vanguardia
estadounidense, demostró ser una de las obras de arte de las más influyentes
del siglo XX.
-Robert Rauschenberg: Monograma es
un " combinan " del artista
estadounidense Robert Rauschenberg , realizado durante
1955-1959. Se compone de un relleno de cabra con su sección
media que pasa a través de un neumático de automóvil. Se ha descrito como la
obra más famosa de Rauschenberg. Desde su adquisición por el
Moderna Museet , Estocolmo, Suecia, en 1965, se ha mantenido allí con
giras mundiales ocasionales.
Crítico de arte Catalina Craft
dijo en la obra: “No es de extrañar, monograma sorprendió a
los espectadores contemporáneos. Sin embargo, también hay una belleza
extrañamente conmovedora a su aquiescente cabra, eternamente paciente. Algunos
observadores han asociado con un sacrificio a la espera de los animales. Sin
embargo, con sus cuernos y abrigo largo, brillante que recuerda también la
[serie de conjuntos colgando “fetiche” de piel animal, cuerda, madera y
diversos objetos pequeños] Feticci Personali Rauschenberg hizo en Italia”.
De Kooning borrado por Rauschenberg
(1953) de Robert Rauschenberg: La obra a comentar es un cuadro del pintor Willem de
Kooning, maestro del expresionismo abstracto, que fue borrado por el
artista Robert Rauschenberg (1925-2008) en el año 1953.
Rauschenberg borró
el cuadro de De Kooning con una doble intención: por un lado, pretendía atacar
al expresionismo abstracto, corriente artística de la época que supuso la
consagración de la pintura norteamericana a escala mundial; por otro, pretendía
dar valor artístico a la destrucción de una obra de arte ya creada. En gestos
de este tipo se puede comprobar que las principales influencias de Rauschenberg
eran el conceptualismo de Duchamp y el rupturismo y constante ánimo de
provocación del dadaísmo de los años 20.
Retroactive I (1963):
pertenece a la serie de pinturas de serigrafía que Rauschenberg realizó entre
1962 y 1964. Su tema y medios comerciales de reproducción para estas obras
llevaron a los críticos a identificarlo con el arte pop. A diferencia de
la relación uno a uno que podía lograr en los dibujos de transferencia, las
pantallas producidas mecánicamente le permitieron transcribir sus propias
fotografías e imágenes tomadas de la prensa popular a una escala mayor.
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Canyon Robert Rauschenberg (1959)
Estados Unidos: |
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Rauschenberg es uno de los artistas
de la denominada Escuela de Nueva York, al lado de su amigo el artista Jasper
Johns. Ambos se opusieron al movimiento del Expresionismo Abstracto en cuanto
a la búsqueda de significados universales a través del arte. Ambos enfocaron
su trabajo en la exploración de significados múltiples y sencillos a través
de la combinación de objetos de uso común e imágenes de la cultura popular.
La obra de Rauschenberg se conoce por el uso de objetos tridimensionales para
la creación de collages. Con esto, el artista se atrevió a explorar los
límites de la escultura y la pintura. En la imagen se aprecia una de las
obras más conocidas del creador. |
- Alphonse
Allais: El captain cap: sus aventuras, sus ideas, sus brebajes alphonse allais: Esta especie de novela, escrita por Alphonse
Allais en 1902, narra las aventuras y mixtificaciones de un personaje que
inmediatamente se hace tan desternillante como inolvidable, el Captain Cap.
Inspirado en un camarada de Allais, Albert Caperon, sus andanzas se inician con
la postulación del Captain Cap a las elecciones legislativas francesas de 1893
por el IX distrito de París con un programa antieuropeo y antiburocrático que
incluía soluciones tan brillante como la conversión de la plaza de Pigalle en
puerto marítimo, la construcción de un fuerte y una plaza de toros en la colina
de Montmartre, el restablecimiento del libertinaje con vistas a la repoblación
o la supresión de la burocracia y de la Escuela de Bellas Artes.
The world
of alphonse allais: "Alphonse Allais ha sido descrito como el mejor escritor
humorístico que Francia haya producido, y Jean Cocteau lo llamó 'el príncipe de
los narradores de historias', sin embargo, apenas se le ha escuchado en
Inglaterra, por la sencilla razón de que nunca antes se había traducido a
Inglés. ¿Porque su humor es demasiado francés? Por el contrario, los franceses
siempre han sentido que había algo demasiado inglés sobre Allais ... Esta
selección de setenta piezas, traducida e introducida por Miles Kington, editor
literario de Punch, trae toda la gama de su virtuosismo inspirado para una
audiencia inglesa (¿tal vez su verdadera audiencia?) por primera vez "-
Solapa de la chaqueta delantera.
Le parapluie de l’escouade: Alphonse Allais dará toda su energía a la pereza, a
vivir de su risa y su tristeza, como la burguesía vive de sus ingresos. Lo que
hace que los comediantes de finales del siglo XIX sean tan preciosos y tan
cercanos a nosotros es que todavía son entretenidos y preocupantes.
-Piero
Manzoni:
Achrome
En su breve carrera,
interrumpida por su prematura muerte a la edad de 30 años, Piero Manzoni
produjo una diversa obra que abarca desde pinturas blancas y monocromáticas
conocidas como Achromes , hasta tubos que contienen papel
marcado solo con una línea, latas de su propio excremento. , y cuerpos humanos
firmados por el artista para indicar su estado como art. Es importante
destacar que Manzoni ayudó a reunir a artistas de ideas afines que trabajaban
en toda Europa a fines de la década de 1950 y principios de la década de 1960 a
través de sus viajes, exposiciones, incluidas las de la efímera Galleria Azimut
en Milán, que cofundó con el artista italiano Enrico Castellani, y Su
personalidad magnética. A través de vehículos como el suyo y el diario Azimuth
de Castellani (dos números, 1959–60), Manzoni dirigió una
acusación para rechazar Art InformelLa subjetividad y el énfasis
en el gesto, y desarrollar en su lugar una "Nueva Concepción
Artística" que destacó la pureza y la simplicidad del acto artístico.
Mierda de artista: es el título de una obra del polémico artista conceptual Piero Manzoni, expuesta por primera vez el 12 de agosto de 1961 en la Galleria Pescetto, de Albissola Marina, Italia
Se trata de una mordaz crítica del mercado del arte, en el que la simple firma de un artista con renombre produce incrementos irracionales
en la cotización de la obra; es una manifestación del épater le bourgeois del arte de vanguardia. Consiste en 90 latas cilíndricas de metal de
cinco centímetros de alto y un diámetro de seis centímetros y medio que
contienen, según la etiqueta firmada por el autor, Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida
y envasada en mayo de 1961. Este texto se encuentra escrito en el
lateral de cada de ellas en diversos idiomas (inglés: Artist`s Shit,
francés: Merde d’artiste, italiano: Merda d’artista, y
alemán: Künstlerscheiße). Todas están además numeradas y firmadas
en la parte superior.
Corpo d'aria
Corpo
d'aria ("Cuerpo
de aire"; plural Corpi d'aria ) es un múltiplo del artista del artista italiano Piero Manzoni . Fabricadas
entre octubre de 1959 y marzo de 1960, las piezas son una caja, una base de
trípode, un globo desinflado y una boquilla. Se hicieron 45 copias y se vendieron
a 30,000 liras cada una. Originalmente,
cualquier comprador podía pedirle a Manzoni que inflara el globo él mismo, pero
se le cobraría una marca alemana adicionalpor
cada litro de aire expandido. Cuando se expandió completamente, los globos
midieron 80 cm de diámetro.
-Joseph
Kosuth: One and Three Chairs (Una y tres sillas)
Escribió: «El arte que yo denomino conceptual
lo es porque se basa en una investigación en torno a la naturaleza del
arte». One and
Three Chairs (Una y tres sillas) se considera una de las
primeras obras conceptuales que el artista concibió, siguiendo un criterio que
él mismo calificó como «antiformalista» y que, con un sentido tautológico, se
aproxima a una misma reflexión desde tres persepectivas diversas: mediante el
objeto (la silla), su representación o índice (la fotografía de la misma
silla), y dos elementos lingüísticos (la palabra que designa al objeto y su
definición). Kosuth llama de ese modo la atención sobre un triple código de
aproximación a la realidad: un código objetual, un código visual y un código
verbal (referente, representación y lenguaje).
Art as idea as idea: Kosuth ha
dicho que "el arte está dando sentido", y en su trabajo investiga las
formas en que la creación artística está vinculada al lenguaje. Este
trabajo es parte de una serie basada en definiciones recortadas de las entradas
del diccionario para palabras que incluyen "arte", "silla",
"significado" o, en este ejemplo reflexivo,
"definición". Kosuth considera que la obra de arte es la
definición de la palabra dada, pero con el fin de presentarla, solicita que su
entrada de diccionario recortada original se amplíe fotográficamente a una
dimensión específica cada vez que se exhibe el trabajo. Este Photostat es
la primera realización de este trabajo, fabricado en 1968, y como tal se
muestra aquí como un documento histórico.
Four colors Four words de Joseph Kosuth: Las bases de sus conceptos artísticos los asentó muy pronto como se puede ver en esta obra titulada Four colors, Four words concebida en 1965 cuando tan solo tenía veinte años. Y de hecho, tan apenas cuatro años más tarde, en 1969 escribió su obra teórica Art after Phisolophy, en la que se reúne toda su teoría sobre el arte. Una idea que se puede resumir en la desmaterialización del objeto artístico hasta convertirlo en un concepto, lo cual supuso un nuevo rumbo para la historia del arte.
Five words in green neon: En 1969, Joseph Kosuth publicó la primera parte
de su manifiesto de tres partes "Arte después de la filosofía" en una
revista de Londres y al instante se convirtió en un destacado teórico y
practicante del arte conceptual. "Ser artista ahora", escribió,
"significa cuestionar la naturaleza del arte". Según Kosuth, las
formas de arte tradicionales, como la pintura, solo invocan consideraciones
anticuadas de valor estético o gusto. El arte necesitaba definirse nuevamente
al abandonar los medios de expresión convencionales. Five Words in Green
Neon anticipa el manifiesto escrito de Kosuth por algunos años, pero refleja
claramente su afirmación de que el arte conceptual se basa "en la
comprensión de la naturaleza lingüística de todas las proposiciones de
arte". El trabajo, que comprende solo las palabras del título
construido en tubos de neón verde, hace del lenguaje su contenido al
contraer la descripción y la imagen entre sí. Five Words in Green Neon no
es solo el título del objeto, sino todo lo que vemos. El arte, sugiere
Kosuth, no reside en el objeto en sí, sino en nuestras ideas sobre el objeto.
Sol lewitt: brushstrokes
En la década de 1990, Sol LeWitt partió de cubos y
líneas geométricas para representar pinceladas onduladas y de flujo
libre. Aunque LeWitt rara vez ejecutaba sus obras (como sus icónicos dibujos
murales ) a mano, el artista conceptual decidió pintar estas
pinceladas onduladas él mismo, creando composiciones originales de gouache que
ahora se encuentran entre sus obras más deseables en el mercado. Su pintura Pincelada
ondulada(1995) estableció el récord de subasta para la serie, vendiéndose
por casi $ 750,000 en Sotheby's en 2014. Entre 1993 y 1997, LeWitt también
experimentó con su motivo de pinceladas a través del grabado, repitiendo las
formas en diferentes orientaciones, colores y técnicas, como el grabado ,
serigrafía y fotolitografía. Estas impresiones, que se pueden encontrar en
las colecciones permanentes de MoMA, SFMoMA, el Museo de Arte Americano de
Whitney y más, capturan la obsesión de LeWitt con formas únicas que pueden
adoptar configuraciones infinitas.
Wall
drawing 1136:Dibujo de pared # 1136 es una instalación de pintura acrílica colorida y
animada del artista conceptual estadounidense Sol LeWitt, y un ejemplo del
compromiso a largo plazo del artista con el dibujo mural como un componente
central de su práctica artística. El trabajo se compone de bandas de color
sólidas curvas y rectas que se pintan directamente sobre la superficie de una
pared usando cada color primario (rojo, amarillo, azul) y secundario (verde,
naranja, púrpura) más gris. La curva, compuesta por nueve bandas
entrelazadas en estos siete colores (hay dos bandas cada una de rojo y verde),
se arrastra a lo largo de la pared, tocando la parte superior e inferior de la
pared en varios puntos. Reaparecen los mismos siete colores, en una
secuencia irregular, como bandas verticales que sirven como patrón de fondo
para la curva. Cada banda en el dibujo de la pared es del mismo ancho y no
queda ningún área vacía de color. Con la excepción de su primer dibujo de
pared exhibido en la Galería Paula Cooper en Nueva York en 1968, el artista no
ejecutó los dibujos de pared él mismo; más bien, empleó dibujantes o
asistentes para llevar a cabo instrucciones específicas para copiar y agrandar
su diagrama del dibujo en la pared misma.
Serial project set b: Esta acumulación de estructuras abiertas
significa un renacimiento de la seriedad en el trabajo de LeWitt, inspirado en
las fotografías en serie de Eadweard Muybridge, cuyo trabajo LeWitt descubrió
en un libro abandonado que un inquilino anterior había dejado en su
departamento. La red de cubos le permitió a LeWitt estudiar la
yuxtaposición de diferentes tamaños y formas, organizados de acuerdo con
ciertas reglas e ideas preestablecidas. Mirando el Proyecto Serie # 1 en
su conjunto, parece no ser más que una ciudad, revelando las raíces
arquitectónicas de LeWitt. También se impone como una especie de marco
para una obra terminada o una serie de obras, imitando los bocetos preparatorios
que preceden a los planos y las estructuras completadas. Una vez más,
LeWitt desafía los métodos convencionales de producción artística; en este
caso.
Chris
burden Metropolis II (2011) es una escultura cinética de Chris Burden en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles .
Midiendo casi 10 pies × 20 pies (3,0 m × 6,1 m), 12 pies (3,7 m) de
altura, Metropolis II representa una ciudad imaginaria
atravesada por automóviles de fundición personalizada, 1.080 vehículos en
miniatura, así como eléctricos a escala HO trenes Los materiales incluyen bloques de
construcción, bloques de Lego y Lincoln Logs
Burden describió la pieza como un "sistema complicado de montaña
rusa" y dijo que el objetivo no era crear un modelo a escala literal de
una ciudad sino evocar la energía de una ciudad. El trabajo, dijo,
anticipa la era de los autos sin conductor que Burden creía que pondría fin al
estancamiento del tráfico. Burden no especificó qué ciudad representa la
escultura: "Podría ser Dubai, India o China. Creo que, en última
instancia, es cualquier ciudad".
Urban light: (2008) es una escultura de ensamblaje a gran escalade Chris Burden ubicada en la entrada
de Wilshire Boulevard al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . La instalación de 2008 consta de
farolas restauradas de las décadas de 1920 y 1930. La mayoría de ellos una
vez iluminó las calles del sur de California.
se compone de 202 farolas dispuestas en una cuadrícula cercana. Las
lámparas provenían principalmente de las calles del sur de California,
incluidas Hollywood, Glendale y Anaheim, y algunas de Portland,
Oregón. Hay 16 modelos diferentes de farolas representadas, muchas de las
cuales fueron encargadas para vecindarios y calles particulares. [3] Broadway Rose, el modelo más grande y adornado, está
representado por seis lámparas. El estilo fue encontrado en el centro de Los
Ángeles ; todavía se
pueden ver algunos en la Sexta Avenida entre las calles Olive y Flower. [4] Los globos de cristal de la escultura tienen tres
formas generales: redonda, bellota y cono. Las 309 bombillas LED funcionan
con energía solar y se encienden desde el anochecer hasta el amanecer, regidas
por un temporizador
astronómico.
Smith localiza el peligro
de la escultura de Burden no en su representación de la Gorgona de la mitología
de pelo de serpiente (su reseña se llama 'Cabeza de Medusa, sin las
serpientes'), sino en cómo replica el efecto de la mirada petrificadora de
Medusa.
The atomic
alphabet: En 1979, Chris Burden comenzó una serie de
trabajos que tomaron como tema las circunstancias políticas y las resonancias
psíquicas de la Guerra Fría, centrándose particularmente en la bomba de
neutrones, los misiles y ojivas nucleares, y los submarinos que los
transportan. El Alfabeto atómico, una impresión realizada utilizando las
técnicas de grabado a mano y fotograbado, alude a estos fenómenos más amplios,
así como a las atrocidades específicas de la guerra de Vietnam recientemente
terminada al incorporar caracteres chinos y referencias a la selva. Al
igual que una tabla infantil que asocia letras con palabras e imágenes
correspondientes, The Atomic Alphabet corre por la página, prestando a cada
letra un correlato asignado: A para ATOMIC, B para BOMB, y así
sucesivamente. Al usar este formato didáctico infantil
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